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印象派绘画-十八至十九世纪美术史(5)

印象派这个名称是由法国画家莫内﹝Claude Monet﹞的一幅风景画《印象:日出》﹝Impression: Sunrise﹞得来的。1874 年,有 30 位巴黎的青年艺术家为了挑战当时学院派的绘画原则,独立举办了与官方沙龙相抗衡的画展。这次画展受到了舆论的奚落,人们随便地以莫内的这幅画为他们取上「印象主义者」的称号。其实印象派艺术家的气质和造诣各不相同,追求的理想也各自有异。

  印象派绘画的特色在于借助光与色的变幻来表现画家在瞬间之际所捕捉到的印象。他们认为从表现光的过程中,就可以找到绘画艺术的一切。因此,印象派绘画技法的基本原理就是色彩分解,换句话是运用光谱中的七种纯色作画。像这样,在画布上只并列不同纯色而让观者凭自己的视觉自行加以调合的做法,可以保持每一种纯色的新鲜和光彩,从而创造出更强烈的发光度。

  印象派画家的风景画,把过去被忽略的许多现实的色调变成为主角,这无疑是印象主义作出的巨大贡献。但是由于艺术家的全部注意力都集中在光线和空气对色彩的影响,使得画布上所描绘的受光物变得越来越不重要了。印象派画家不关心作品的思想性,是一个根本性的缺陷。

  著名的印象派画家有毕沙罗﹝Camille Pissarro﹞、希斯里﹝Alfred Sisley﹞、窦加﹝Edgar Degas﹞、马奈﹝Edouard Manet﹞、莫内﹝Claude Monet﹞、雷诺阿﹝Pierre-Auguste Renoir﹞、卡莎特﹝Mary Cassatt﹞等人。

画家:希斯里Alfred Sisley, 1839 ~ 1899

  希斯里为法国画家,毕生着迷于画水。这种对水的迷恋是许多印象派画家的共同特点,因为溪流、运河和大海的表面都有光的反射,水于是便成了第二种光源,而在印象派画家的心中,光的效果占有极重要的份量。但是,即使是在印象派画家当中,像他这样始终如一、执着于追求表现水的反射现象,可说是极为罕见。

  1875 年底的冬季,玛尔利港发生了一场水灾,而希斯里却因此得到了一次理想的机会,得以创作一系列几乎没有人物、只有他宠爱的水的风景画。在《马里港洪水》﹝Flood at Port-Marly﹞ 画中的船上,虽然还有走动的人影,但整幅画面却呈现出大自然恢宏的沉静,显示出大自然已夺回了自己的领土,而在苍苍的天穹之下,则是色彩斑斓、闪闪烁烁的水面,以及被水淹没了的街道。

马里港洪水
﹝Flood at Port Marly﹞
1876 年

希斯里﹝Alfred Sisley﹞之作品

油彩?画布,60 x 81 公分

奥塞美术馆,巴黎﹝Paris﹞,法国

  这幅画中令人印象最为深刻的,是希斯里和谐地结合了各种色彩的惊人手法:房屋涂以耀眼的蓝色和黄色,天空赋与平淡的蓝色,而水面则染以银灰和黄色。

  希斯里另一幅画《鲁弗申的雪》﹝Snow at Louveciennes﹞画的则是印象派画家的另一宠儿:雪,因为雪的反射作用形成了另一种光源,它与天空的光源有些微妙的不同;同时,雪地的反射也不同于水面反射的效果。

鲁弗申的雪
﹝Snow at Louveciennes﹞
1875 年

希斯里﹝Alfred Sisley﹞之作品

油彩?画布,61 x 50.5 公分

奥塞美术馆,巴黎﹝Paris﹞,法国

  希斯里这幅画的中景,色彩缤纷明亮,街道尽头的房子呈粉红色,其余部分以灰蓝和灰绿色为主调,这种使用对比色彩来平衡画面的画法,是西方自然主义传统的重要特征。
 

画家:窦加Edgar Degas, 1834 ~ 1917

  窦加是致力于表现都会生活最深的一位画家,虽然他的作品跟印象派画家一起展出,然而他和印象派画家之间的关系是模糊的,因为他主要的兴趣不在风景画,而且他都在画室中作画,甚至不曾现场写生,他也一直很关注素描以及过去的艺术。不过他对真确性的观感与印象派艺术家是一致的,甚至在某些方面比他们更为激进。他喜欢煤气街灯下及咖啡厅里俗丽而憔悴的夜生活更甚于莫内和雷诺阿笔下清新欢乐的户外景象。

  窦加以超然的眼光,宛如站在另外一个世界的立场,来审视周遭的环境,为当时社会的人情世态、食衣住行留下纪录;至于他作品里的人物,犹如他所使用的粉彩、油画颜料,只是他研究光线、色彩和造型的材料而已。就技术而言,他是一位伟大的实验家及改革者。他对传统油画的丰富知识,使他得以不断地试验各种不同的媒材和混合颜料。

两个熨衣妇
﹝Two Laundresses﹞
1884 年

窦加﹝Edgar Degas﹞之作品

油彩.画布,76 x 81.5公分

奥塞美术馆,巴黎﹝Paris﹞,法国

  日常生活中最微不足道的景象,是窦加的最佳材料。《两个熨衣妇》﹝Two Laundresses﹞中出现的是两个熨衣妇的女人,本来不过是简单的速写,然而一经过窦加之手,其对此的韵律及形态的趣味便具有完整的效果。常见而老套的动作亦完全变成了结构巧妙的题材,平坦的桌面在图下方构成斜面,并与两个站立的女人互相呼应。

四位舞者
﹝Four Dancers﹞
1884 年

窦加﹝Edgar Degas﹞之作品

油彩.画布,76 x 81.5 公分

国家艺廊,华盛顿﹝Washington DC﹞,美国

  《四位舞者》﹝Four Dancers﹞ 这幅作品虽非粉彩画,但其油彩却使用得像粉彩一样自由。窦加无意做明显的设计:舞者向后退出画框外,彷佛是退去的那一瞬间。这种学自摄影与日本版画的不平衡构图,显示窦加深谙其效果。观赏者在此被挑起兴趣,被迫接受画家个人的绘画逻辑。画的色彩同样生动鲜明、明亮耀眼,这也是窦加的主题之一,舞台不论何时都打着灯光,而我们与舞台的距离让这些人工的舞台效果显得更加眩目与模糊,除了造成距离感之外,还创造出一种充满魅力的晕眩感。
 

画家:马奈Edouard Manet, 1832 ~ 1883

  马奈反对细部绘画的矫柔造作,以强烈、纯真的色彩来替代过于黯淡的表现。他也唾弃那种根据自己看到的而非感受到的作画方式。他希望在画布上传达自己深刻的感情,以及反映事物的真相。他认为,主题对绘画来说是次要的。

  马奈从未与印象派画家共同展出过,但从 1870 年代早期开始,他与印象派画家交往,分享他们充满幻想的创新,在尝试用光谱色盘作画的同时,他仍维持早期笔触较大、也较平面的坚定结构。

  《奥林比亚》﹝Olympia﹞展出时是当年度最重要的艺术大事,明目张胆的主题被大肆批判,画中的裸女散发出一种神经质的恐怖气氛,她象征着耻辱和偶像的魅力,这是社会中的可悲现象。而其完美无缺的线条,则隐含着人性中最邪恶的东西。黑色的绸带,使她与自己的身体分开,并使生理上的邪念,平静、纯真且无视羞耻地表现出来,完全将该裸体画中的贞女的兽性,让观众自己去想象,并且对大城市中卖淫的风气,和陈设中所隐含的最原始的粗野行为提出辩解。

奥林比亚
﹝Olympia﹞
1863 年

马奈﹝Edouard Manet﹞之作品

油彩.画布,130.5 x 190 公分

奥塞美术馆,巴黎﹝Paris﹞,法国

  马奈在这幅画中也发展出图像呈现的新方法,他进行了色调上的创新实验,在邻近色快监制造出强烈的对比,排除柔和的中间色调。这项创举对后来的艺术家造成重大影响。

  在马奈的另一幅代表作《短笛手》﹝The Fifer﹞中,马奈共使用了三种基本色调:裤子的红色被赭石色的背景所烘托出来,使其更加突出;紧身上衣和帽子的黑色连成一块.而不去讲究手臂的外形;赭石的底色,在画的边缘逐渐加深,形成主角生活和演奏的空闲;红色和黑色这两种基本色调间的主要关系,被衣扣和布景的金黄色,以及托住乐器的白色披带所突显出来;最强烈的黑色,是小音乐家的眼睛,眉毛的清晰线条,加强了眼部的表情。这个脸看起来虽然如此简单,却展现了马奈高超的绘画手法,以及其全部的经验。

短笛手
﹝The Fifer﹞
1866 年

马奈﹝Edouard Manet﹞之作品

油彩.画布,160 x 98 公分

奥塞美术馆,巴黎﹝Paris﹞,法国

  佐拉在 1867 年写道:「……人们在靠近马奈的画时,可以看到他的绘画其实是精细,而不是粗略的。马奈十分谨慎地使用画笔,那绝非颜料的堆积,而是抹上一层又一层协调的色彩」。
 

画家:莫内Claude Monet, 1840 ~ 1926

  莫内是法国画家, 也是早期印象派的创立者之一,只有他一人终其一生都坚持印象主义的原则和目标,他也是唯一在生前赢得大众认可的印象主义画家。他少年时代所画的讽刺漫画就已具备了惊人的形似能力,直到他早期的印象派绘画还保留着这项特质,使他和十九世纪中叶风景画家的朦胧概括迥然不同。他的风景画完全以主题的视觉经验感知为首要的考虑,忽视传统的概念如构图、题材、润饰等。

  莫内晚期的一些作品侧重于同一主题在不同光线和空气下变幻无穷的外观。因而油彩记录下来的,不是所见物体的本身,而是观照的过程。水是莫内喜欢的题材,像雾霭一般,它为所见的物象创出现成的视觉抽象化。对称的倒影成为不断出现的构图手法,强调印象主义技法扁平的表面特质。莫内身后影响力最大的即这些作品的规模和简略的手法。

  《印象:日出》﹝Impression: Sunrise﹞这幅画是印象派运动命名的由来,也是莫内单以色彩来建构整张作品的最佳范例。所有传统观念中的内容或是主题在这幅画中都已经不复存在,只有光线和空气才是主题。

印象:日出
﹝Impression: Sunrise﹞
1873 年

莫内﹝Claude Monet﹞之作品

油彩.画布,48 x 63 公分

巴尔蒙顿博物馆,巴黎,法国

  莫内认为即使最暗的阴影也是由几乎难以察觉的不同层次的光和颜色构成的,这种画法向来被沙龙视为原始的、粗俗的。但莫内不想再去迎合传统,他放弃了大型作品,转而采用小幅的、更便于携带的画布,这样就可以在户外用油彩创造瞬间的印象。这种技法要求单纯的颜色:如《蛙塘》﹝La Grenouillere﹞这幅画背景中的树用橄榄绿,人物用白色和藏青,他用纤细的笔触简单几笔就可以烂熟地勾出轮廓。平涂的蓝色和白色巧妙地融合在一起产生天空;褚色和蓝色,蓝色和黑色则表现水上的倒影。

蛙塘
﹝La Grenouillere﹞
1869 年

莫内﹝Claude Monet﹞之作品

油彩.画布,75 x 100 公分

大都会美术馆,纽约﹝New York﹞,美国

  莫内善于从色彩和光的角度观照自然,他抛弃了注重色调和形式的传统绘画方法。他说:「倘若你到室外作画,试着忘却跟前的物体,不论它是一株树、或一片田野。只要想象这儿是小方块的蓝,那儿是长方形的粉红,这儿是长条纹的黄,然后照着你认为的颜色和形状去画就是,直到符合你自己对景物本来的印象。」这种风格,莫内一直持续下去。他专注于光的变化和气氛的营造,使他的画中景物渐渐丧失实质的主体,只有色块勾勒出的轮廓依稀可辨,大自然或景物消失在一种颤动的抽象形式之中。
 

画家:雷诺阿Pierre-Auguste Renoir, 1841 ~ 1919

  雷诺阿对绘画的看法非常明确,曾说:「画是用来装饰墙壁的,因此色调应该尽量丰富多彩。对我来说,一幅画应该显得可爱、欢乐并且美丽。生活中丑陋的东西已经够多了,我们不该再雪上加霜。我喜欢那种能让我漫步其中去抚摩小猫的画作。」

  莫内与雷诺阿为好友,两人经常一起出外旅游写生,将画架并排架起,对照同样的风景作画。以莫内的《蛙塘》和雷诺阿的《青蛙潭》﹝La Grenouillere﹞为例,两画皆作于 1868 到 1869 年之间,虽然主题雷同,但雷诺阿画中洋溢着温柔诗意的气氛,而莫内的笔触则比较肯定。雷诺阿画中景物密集,予人一种亲切之感,而粉红与浅紫的色调,散发出一种馥郁的女性气息。

青蛙潭
﹝La Grenouillere﹞
1869 年

雷诺阿﹝Pierre-Auguste Renoir﹞之作品

油彩?画布,66 x 94 公分

国立美术馆,斯德哥尔摩﹝Stockholm﹞,瑞典

  1870 年代中期,雷诺阿已发展出个人独特的风格,这在他《煎饼磨坊的舞会》﹝Le Moulin de la Galette﹞中十分明显,画中描绘蒙马特区露天咖啡店中的情景,几对年轻男女正在跳舞作乐,仕女们态度从容,举止优雅。雷诺阿在人物造型上,不用很清楚的轮廓,或粗重的线条表现,而以自然写实的笔调烘托出画中的人、物与空间,使画面有着似梦似幻却又强烈感人的效果。阴影部分采用柔和的蓝色调,而光亮处则带着温暖的粉色调。在午后的阳光下,光影斑驳,透着几许陶然的温馨。

煎饼磨坊的舞会
﹝Ball at the Moulin de la Galette﹞
1876 年

雷诺阿﹝Pierre-Auguste Renoir﹞之作品

油彩?画布,131 x 175 公分

奥塞美术馆,巴黎﹝Paris﹞,法国

  画中的露天舞场位于巴黎的蒙马特区,离雷诺阿的住所不远,他是在现场作这幅画。舞场沐浴着午后灿烂的阳光。前景中一群人坐在树荫下,阳光透过树叶,在他们的衣裙上跳跃,使整个画面泛着光辉。雷诺阿和莫内一样,喜欢小色块造成的效果和它们所产生的印象。印象派画家常常选择日常情景作画,尤其注意表现自然光在每大不同时刻的变化及其对景物的影响。

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