所属分类 全部 中国美术史西方美术史

后期印象派艺术-十八至十九世纪美术史(7)

所谓后期印象派,并不是印象派的延续,而是突破了印象派,甚至否定了它的一些理念的一个派别。

  印象派兴起后,渐渐有艺术家对这种只依赖视觉及科学分析的画派感到不满,而又重新反省绘画的本质,反对片面追求外光与色彩,强调抒发画家的自我感受和主观情绪,十九世纪末,以赛尚﹝Paul Cezanne﹞、高更﹝Paul Gauguin﹞和梵谷﹝Vincent van Gogh﹞为代表的后印象派艺术中,可以看到对形体结构问题的回归,对表面设计、色彩内涵及装饰性的重视,以及对表现性变形的自觉运用。除了这三位大师之外,属于后期印象派的重要画家还有罗特列克﹝Toulouse Lautrec﹞和亨利?鲁索﹝Henri Rousseau﹞。点描派﹝Pointillism﹞的画家因为是印象派的分支,譬如秀拉﹝Georges Seurat﹞也可归类于后期印象派。

  后期印象派是二十世纪现代主义艺术与其他各种「主义」的源头:塞尚重理念,注重结构,注意画面的建筑美,孕育了立体主义。高更、梵谷更注意感情,强调色调的美和艺术表现的象征意义,对野兽派和表现主义影响很大。
 

画家:塞尚Paul Cezanne, 1839 ~ 1906

  塞尚生于法国南部,是立体主义的先驱和二十世纪各种抽象艺术的开拓者。他的最大成就,是对色彩与明暗前所未有的精辟分析。与印象主义者注重描绘转瞬即逝的视觉感受的意向相反,他试图实现一种新的坚实结构,并力求对所见事物进行高度理性的综合。不过塞尚的绘画仍然保留了古典的形式观念,人们称誉他为现代艺术之父。

  塞尚经常绘画静物,并且反复加以钻研。在一些精心组织的静物画中,他对于空间、体积和透视的科学性并不怎么重视,而是注重画面中形体和色彩之间的平面布局,力求达到一种类似图案一样的平面的和谐与均衡。塞尚作画时,总是全神贯注的投入于眼前所见景物,不断的组织再组织,直到他能「正确的」看到他认可的主题为止。

  譬如在《静物》﹝Still Life with Apples and Oranges﹞这幅画中,塞尚从好几个不同的角度来表现物体的大小结构,藉以强调他对物体的视觉方法。

静物
﹝Still Life with Apples and Oranges﹞
1895 ~ 1900 年

塞尚﹝Paul Cezanne﹞之作品

油彩.画布,73 x 92 公分

罗浮宫,巴黎,法国

  这种从不同角度观看一个物体的多样性和选择观看角度的重要性成为二十世纪立体主义发展的为基础。塞尚为自己创造了一个属于自己独特的空间,完全摆脱传统的透视法。他擅于选择一些不寻常的观看角度,在画面上创造出独特的结构,把观赏者引入他创造出来的现实和逻辑当中。

  在《静物》这幅画中,塞尚按照他自己的想法创造了一种「反透视法」,他不为观赏者创造进入画里面去的深度,而是创造被他所描绘的物和人向观赏者走出来的印象。如此一来,观赏者的目光自然就被吸引到画中的多个不同物体上去了。

  塞尚所画的肖像画,特别是人物画,是他所有作品中最精湛的,这类画和他的风景画及静物画有着同样不朽的地位。在《玩纸牌的人》﹝The Card Players﹞这幅画中,塞尚画当地咖啡馆中玩牌的一些客人,表现亲切而充满人性的温暖。

玩纸牌的人
﹝The Card Players﹞

1890 ~ 1892 年

塞尚﹝Paul Cezanne﹞之作品

油彩.画布,45 x 57 公分

奥塞美术馆,巴黎,法国

  画中两位坐着玩纸牌的人,虽然是多么微不足道、多么平庸无奇,却表现出他们举足轻重的位置和其存在的价值。塞尚独具风格的场景虽然削弱了一点现实主义的色彩,但依然保存了这两个人给人的真实感。

  这幅画再度显现出塞尚运用他所理解空间和人物大小的新方式,改变了绘画的格调和技巧。其中人物是由周围的画面以及为适应这些画面而用带色的笔触所画出的身体的各个体面所构成的。这种技巧为画坛预告了立体主义绘画的形式,并预见了毕加索在 1909 ~ 1910 年间所绘制的人像。

  塞尚反对传统绘画观念中把素描和色彩割裂开来的做法,而是追求直接用色彩来表现物体的透视,因此在他的画中色彩不但和谐而且美丽。他在面对一件写生对象时,总是极其审慎地观察、思考和组织画面的色调,并反复推敲修改,以致于许多画总像是没有完成似的。
 

画家:高更Paul Gauguin, 1848 ~ 1903

  高更是法国后印象派画家、雕塑家、陶艺家及版画家。高更早期的绘画带有实验性,也很拘谨。即使到了 1880 年代早期,虽然将笔触放松、变宽,赋予画面颤动的韵律特质,但在用色方面仍很拘谨。

  1888 年他前往不列塔尼﹝Brittany﹞,结识了画家贝纳﹝Emile Bernard﹞。高更的一些观念受到贝纳的影响,而形成今日所谓的「综合主义」﹝synthetism﹞运动的理论基础。后来他们两人更进一步寻求新的表现力量,主张艺术应具备有力、率直而普遍的象征;主张舍弃细节及特征;主张藉由压缩的感觉,将印象、观念和经验三者综合起来,集中表现出来。

  高更于是走出了印象派画家那种琐碎的光影、固定短暂景象的意图、以及对文学借喻的逃避。因此他的画开始呈现最简洁的形式,色彩强烈,背景简化成节奏起伏的形态。此种现象可见于《黄色基督》﹝The Yellow Christ﹞这幅画中。

黄色基督
﹝The Yellow Christ﹞

1889 年

高更﹝Paul Gauguin﹞之作品

油彩.画布,92.1 x 73.4 公分

水牛城公共美术馆,纽约,美国
 

  高更对于《黄色基督》的构图、素描和形体的安排、色彩的选择,使之成为这种风格画作的典范。虽然高更对于他所有的画都是这样做的,但在某些作品中还是体现了技法上的一些变化,这些变化通常是源自于画布的作用,因为画布的网状结构常常能显示出色彩是细涂的,还是有意要让颗粒表现出来的。高更常常直接用朱红色或云青色涂在画布上做为底色,来勾画轮廓。然后画背景和人像,并用大片均匀、对比鲜明的色彩涂在人像侧面,使轮廓更加突出。

  1891 年时,高更为了逃债于是远离西方文明,前往大溪地﹝Tahiti﹞。该地的原始和未开发的纯真,令他深深着迷。炽热的太阳光芒,尤其是更适合高更气质的人群和自然环境帮助了他一臂之力。因此,每个人物、每幅景色、每个形体和每种色彩都超越了形象的外表而具有更深刻、更真实、更富有宗教色彩和赎罪的意义。

  从 1899 年完成的《戴芒果花的大溪地年轻姑娘》﹝Fanciulle Tahitiane con Fiori di Mango﹞这幅中看出高更被大溪地姑娘的古典美、姿态和风度所迷住。他想要设法在自己的画中抓住女性的魅力,突出姿态,使之更富有表情。

戴芒果花的大溪地年轻姑娘
﹝Fanciulle Tahitiane con Fiori di Mango﹞

1899 年

高更﹝Paul Gauguin﹞之作品

油彩.画布,94 x 72.2 公分

大都会美术馆,纽约,美国

  《我们从何处来?我们是什么?我们往何处去?》﹝Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going?﹞是高更规模最大的一幅作品,也是他在 1897 年企图自杀前的一项个人见证:

我们从何处来?我们是什么?我们往何处去?
﹝Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going?﹞

1897 年

高更﹝Paul Gauguin﹞之作品

油彩.画布,96 x 130 公分

波士顿美术馆, 麻州,美国

  关于生存的意义这样的问题,始终回荡在高更的脑海中,困扰着他的一生。而问题的答案只能从他画的形体和色彩中去找到答案。这样他那充满着否定、痛苦和破灭的梦想的一生就没有虚度。高更第二次到大溪地所作的这幅画,是他对这一问题开展的成果和见证,体现了他超越绘画界限的愿望,以彩色和形体来揭示人类灵魂、疑问、希望和失望的悲剧。
 

画家:梵谷Vincent van Gogh, 1853 ~ 1890

  荷兰籍画家梵谷的名字在现代艺术中也许是最出名的,因为他的画有最独特的个性和非凡的魅力。在形与色的处理上,他喜用夸张或简化的手法,削弱传统的光影手法,有意识地强化色彩价值,并且利用色彩对比取得和谐。

  梵谷在荷兰时期所表现的绘画特色是用色阴暗,造型滞重,描绘主题主要是农民以及他们的农务。1886 年,他到了巴黎开始熟悉许多当时新的艺术表现形式,尤其对日本浮士绘和鲁本斯的作品更感兴趣,于是他绘画的题材和用色有了全然的改变。他虽然采用印象派画家的技法,但是题材则转向花卉、巴黎景物、人像画及自画像,这种转变使他尝试到新的观念。

  到了亚耳﹝Arles﹞之后,梵谷画了很多色彩明亮、生动、充满情感及对光的表现的风景画和人像;尤其在高更抵达亚耳之后,他的作品明显受到高更所提倡的综合主义的影响,即造型简化,少用混色。

夜间咖啡馆
﹝The Night Cafe in the Place Lamartine in Arles ﹞

1888 年

梵谷﹝Vincent van Gogh﹞之作品

油彩.画布,70 x 89 公分

耶鲁大学艺术画廊,康州,美国

  梵谷在圣雷米﹝Saint-Remy﹞和奥文斯完成的作品中使用鲜活的色彩、阴郁而如火焰般的笔法,充分显露出他深受折磨的精神状态。《夜间咖啡馆》﹝The Night Cafe in the Place Lamartine in Arles﹞就是这段期间的代表作之一。在这幅作品当中,色彩非常耀眼。梵谷有意使用这种色调,表现令人忐忑不安的场景。他又为了强调房间的纵深感,选择了高视点,使透视线非常精确。

  绿色天花板下灯泡的黄、绿色晕圈放射出刺眼的光线,其强度使人感到难受。冷清的咖啡馆中,人物散坐在屋内两侧,寥寥可数,越发呈现出咖啡馆内空荡荡的气氛。老板站在偏离中央的地方,孑然一身,在这间弥漫着凄凉和孤寂气氛的大屋子里,看上去格外渺小。

麦田群鸦
﹝Wheatfield with Crows﹞

1890 年

梵谷﹝Vincent van Gogh﹞之作品

油彩.画布,50.5 x 100.5 公分

梵谷博物馆,阿姆斯特丹,荷兰

  在另一幅画《麦田群鸦》﹝Wheatfield with Crows﹞当中,梵谷清楚的表达他的「悲伤与极度的寂寞」。他透过不寻常的宽画幅,麦田延伸得特别宽阔,并在画幅前景处开出三条通道。一般画家常用在宽广、开放的田野上的正常结构透视表现法,在此全被梵谷颠倒了过来。画中的线条走向是由地平线向画面的前方汇集,画面上的空间完全没有视点中心,蓝天和黄色的田野彼此朝反方向推挤,一大群乌鸦划过天地的分界,飞向未知的前方。

  梵谷一生留下了丰富的作品,但直到去世后才被人们认识。在这些作品中,他突出了自我精神的表现,一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动,这样的艺术对表现主义影响甚深。他是继林布兰之后荷兰最伟大的具有世界性影响的画家。虽然后印象主义开创了二十世纪的绘画语言,不过后印象主义的主要画家生前几乎都默默无闻。
 

画家:亨利?鲁索Henri Rousseau, 1844 ~ 1910

  亨利?鲁索是法国卓有成就的伟大画家。他生于法国西北部的拉瓦尔市﹝Laval﹞,1871 年,进入巴黎一所收费站中工作,因此博得「关税员」的称号。难以肯定的是鲁索从什么时候开始认真做画的? 1884 年,当鲁索 40 岁时,曾经透过克莱芒特﹝Felix Clement﹞的介绍,得到了临摹罗浮宫收藏品的许可证。

  1886 年,他以《狂欢节之夜》﹝A Carnival Evening﹞参加独立派展览。此后他平均每年都有 5 幅以上作品展出。1891 年起常至植物园观赏温室里的热带景物,创作了许多充满幻想式的作品,如《梦境》﹝The Dream﹞ 这幅画。

梦境
﹝The Dream﹞

1910 年

亨利?鲁索﹝Henri Rousseau﹞之作品

油彩?画布,204.5 x 298.5 公分

现代美术馆,纽约﹝New York﹞,美国

  《梦境》是一幅抒情味十足、也最富色彩的装饰性的作品,是鲁索最具代表性的杰作。它展示了幻想中的原始森林,满布着奇花异木。在这人迹罕见的原始从林中,一位裸体女人躺在不可思议的华丽沙发上,而在画面中间的一个皮肤黝黑的男人吹起长笛。这不是真实的存在,它是一个怪异的梦境,表露了画家天真的想象力。

  1893 年退休之后,生活清苦,却全心投入绘画创作他用那纯真无瑕的眼睛去观察世界和感受生活的真谛,这使他的画具有强烈而鲜明的个性。别人常把他归为「原始的」、「素人的」、「周日画家」之列,他却光明正大地认为自己是不折不扣的专业画家。他充满想象的作品,获得了诗人的赞赏及毕加索等前卫画家所推崇。

  鲁索画的主题包罗万象,除了巴黎市郊,还有手法率真直接的人像,瑰丽的寓言性作品,花卉、尤其是一批富异国情调的大幅幻想式作品,这些作品是他常逛巴黎的公园、植物园、动物园所激发出来的。
 

画家:秀拉Georges Seurat, 1859 ~ 1891

  秀拉是点描派﹝Pointillism﹞的代表画家,后期印象派的重要人物。他的画作风格相当与众不同,画中充满了细腻缤纷的小点,当你靠近看,每一个点都充满着理性的笔触,与梵谷的狂野,还有塞尚的色块都大为不同。他擅长画都市中的风景,也擅长将色彩理论套用到画作当中。

  秀拉在艺术上偏爱米勒﹝Jean Francois Millet﹞对于自然主义的观念、德拉克洛瓦﹝Eugene Delacroix﹞对于色彩和表现形式上的自由、科罗﹝Jean Baptiste Camille Corot﹞对周围环境的敏感以及库尔贝﹝Gustave Courbet﹞在现实主义下有见地的观察力。当然,他也研究印象派的画家,但是也无意去追随任何人,他只想树立自己的风格。他非常仔细地、有时似乎是过分仔细,甚至是对极小的细节进行估算;合理地、有条不紊地研究和安排空间、线条、色调、阴影和光线。凡是印象派画家所提倡的想象与实践的自由,及自发性的创造力之理论等,秀拉都竭力地推崇其严谨性。

  秀拉最出名的作品是《大杰特岛的星期日下午》﹝A Sunday on La Grande Jatte﹞。

大杰特岛的星期日下午
﹝Sunday Afternoon on the Island of la Grande Jatte﹞
1884 ~ 1886 年

秀拉﹝Georges Seurat﹞之作品

油彩?画布,205 x 308 公分

芝加哥艺术中心,芝加哥﹝Chicago﹞,美国

  这幅画是点描派的一个范本。秀拉为了制作这一幅巨作,花了两年的时间,四百多幅的素描稿和颜色效果图,为的是让颜色更准确。在画面上一共有四十个人物,每一个人物都是画家经过很仔细的构图而成。它们好像彼此没有关系地摆在一起,但画面上却充满着一种宁静的秩序美。
 

画家:罗特列克Toulouse Lautrec, 1864 ~ 1901

  作为后印象派画家,罗特列克的绘画技巧深受印象画派启发,但又结合浮世绘笔法与个人写实的才华而独树一格。他的绘画作品主要可分成两大类型:油画与石版画。无论哪种类型,几乎都以人物素描为主题对象。受到窦加﹝Edgar Degas﹞的强烈影响,罗特列克的画作充斥着各式各样的人物样貌。

  虽然同样专注于人物画,但罗特列克与窦加的风格又大异其趣:窦加的画作被认为宛如钥匙孔中的结果,她们﹝多数是女性﹞在画中的姿态宛如不曾留意画家的笔触,因此留下无矫作的体态之美;然而罗特列克的画作却有意无意的扭曲或夸大画中人物的样貌神情,进而强调人物的生命力与写实感,让粗莽的中低阶层居民也戴上庄严的面纱。对于自己的创作理念,罗特列克曾说:「我致力于创作真实而非理想,或许这是缺点。虽然我并不喜欢丑陋的东西,但我对它仍带有几分兴趣地涂上颜色,或画成圆形,或使之发光...。」例如 1892 年画的红磨坊酒店》﹝At the Moulin Rouge﹞。

红磨坊酒店
﹝At the Moulin Rouge﹞
1892 年

罗特列克﹝Toulouse Lautrec﹞之作品

油彩?画布,123 x 141 公分

芝加哥艺术学院,芝加哥﹝Chicago﹞,美国

  罗特列克在海报﹝poster﹞历史上占有重要的地位。他的作品具有浪漫主义的特色,注重理念的表达,图形简化,色彩和谐统一、画面强调装饰性。因为受到了日本浮士绘木版画的影响,他的画有平面动态构图以及粗犷的外轮廓线等。罗特列克的作品具有一种愤世嫉俗的激情,海报题材多为表现娱乐场所的生活景象,他采用富有漫画意味的幽默和讽刺的表现手段,使海报的主题具有一定的寓意和象征,因而更具深刻的社会意义。

  罗特列克创作的海报作品,既是向大众传播信息的媒介,同时又是被公认的世界一流的绘画作品。他在海报设计领域的杰出成就,使海报这一独立的艺术形式提升了品位和质量,同时也提高了他的知名度。罗特列克的海报作品对当时绘画界的影响很大,如他的海报《梅?弥尔顿》﹝May Milton﹞就挂在毕加索在巴黎居住的屋内墙上,这在毕加索的作品《蓝屋》﹝The Blue Room﹞可得到左证。

梅?弥尔顿
﹝May Milton﹞
1895 年

罗特列克﹝Toulouse Lautrec﹞之作品

五色平版印刷,80 x 59.5 公分

圣地亚哥美术馆,圣地亚哥﹝San Diego﹞,美国


 

上一篇 印象派雕刻-十八至十九世纪美术史(6) 下一篇 返回列表
  • 1
  • 2
  • 3
美术商品推荐
关于美术网

美术网(meishu.com)专注服务于中国美术界,集美术搜,美术馆,美术展览,画集,美术报,美术知识库,美术家百科,美术商盟,美术视频网,美术建站,美术网下载,名画库,美术友,美术汇,美术网论坛,美术高考网,美术画室及书画衍生品的加工与分销等为一体的一站式文化服务平台,我们以弘扬中华民族的文化事业为己任,以建设发展世界一流的美术文化生态系统为目标,诚邀有着共同理想的你加入我们,合作共赢。

  • 1
  • 2
  • 3
  • 4
Copyright (c) 2013 Meishu.com. All Rights Reserved V 1.8.5 鲁ICP备12031715号-1 法律顾问:杨俊涛律师 客服QQ:800015090
Copyright (c) 2013 Meishu.com. All Rights Reserved
鲁ICP备12031715号-1 法律顾问:杨俊涛律师 客服QQ:800015090