他们大学时代相识，在绘画的道路上一路走来，他们相互欣赏，相互支持。他们非常有默契，虽然在绘画形态上有所不同，却有着共同的艺术追求和艺术品格。

　　2013年8月，等待数天后，终于与两位老师见面。韦红燕和汪港清的工作室放着未完成的作品和成摞的书籍，除了这些就是绘画用的笔墨。在这种简单、朴素的环境下，二位有的是对艺术的虔诚追求和信仰。

　　采访人物介绍：

　　汪港清，1986年毕业于北京师范学院美术系，获学士学位。1999年毕业于中央美术学院壁画系，获硕士学位，现为首都师范大学美术学院副教授。

　　韦红燕，1989年毕业于北京师范学院美术系，获硕士学位，现为首都师范大学美术学院教授。二位现在合带汪港清、韦红燕工作室培养工笔画硕士研究生。

　　艺术中国：两位老师能谈谈对方在自己心目中是怎样的画家吗？

　　汪港清：我们是大学同学，互相比较了解。韦红燕画面的色彩感，和非现实主义因素非常具有个人特点。她是一位有着天生绘画素质，非常感性的画家。

　　韦红燕：汪港清画画比较从容，对艺术有一种直觉，并且他的造型能力非常强。

　　艺术中国：您会介意伉俪画家这样的称呼吗？

　　韦红燕：中国人自古讲阴阳平衡，伉俪画家更圆满，可以相互渗透，这对艺术家来说其实是一种得天独厚的优势。我们可以站在各自的角度来审视对方的艺术创作，并且我们可以更没有间隙。

　　汪港清：这种形式在艺术创作上加速度会更快。我们对对方都比较了解，在创作中可以互相帮助。

　　艺术中国：艺术家都是相对独立的。两位老师都是艺术家，如何处理独立和依赖的关系？

　　汪港清：我的依赖性比较少，对别人的意见并不能马上接受。必须在我创作中遇到这些问题，才会反思。我是相对独立的，比较坚持自己。

　　韦红燕：我相对包容和开放，可以站到他人的角度来审视自己。这种自我的审视我觉得相当重要。同时，汪港清对我也会有一定影响。他是一个优秀的艺术家，他的造型能力非常强，我非常欣赏他，因此他的意见对我非常重要。另外，他对我的肯定比较多。

　　艺术中国：两位老师都从事教学工作，你们的教学理念是什么？

　　汪港清：我们现在的研究生教学合并为一个工作室。我们强调绘画是有一定高度的，绘画更重要的是让人思考。

　　韦红燕：首先，我们的画室非常注意学习传统，同时又非常的强调有时代性。我们认为绘画的学习是一种立体的思维。既有深度，又有广度的学习才能厚积薄发。

　　其次，我们重视每个学生的个性发展。每个学生都有自己的个性，每个人都有其存在的合理性，这就是一种生态。我们作为导师，就要敏锐的发现他的特征，和他发展的可能性。

　　另外，我们并不主张他们急功近利。在院校的学生参加展览很容易拿到一个奖项。造型能力好的学生，捕捉一个社会现象就会得奖，但是这样的奖项，我们并不鼓励。我们的学生还是要追求一种不平庸。虽然他们的技法可能还不成熟，但是他们作品从艺术上和思想上是正确的。这种道路方向的选择是正确的。

　　艺术中国：这几年的毕业展会看到学生作品抄袭和雷同的现象非常多。两位老师对这个问题有什么看法？

　　韦红燕：我们并不否定有些学生确实是一种借鉴，并不是抄袭，借用一些形式来表达自己的想法，形成自己合理的关系。但是有些学生并不是这种状态。我觉得抄袭首先是自己没有思想。另外院校教学也有很大的责任。

　　艺术中国：在今天的艺术教育中，往往重视对艺术技巧的塑造，忽略了对人的塑造，两位老师怎么看这个问题？我们应该传承给学生什么？

　　汪港清：我们画室非常关注学生的品格，其中包括学生的人格、习惯。技巧再高，再有绘画能力和绘画技巧，你的格调、作品的取向不好一样被否定。做艺术一定要有艺术的高度。有了艺术高度，手达不到可以去追求。

　　韦红燕：我觉得画画首先是做人。我们的教育是为了育人。绘画是一种教育和文化，并不是一个倾倒垃圾的窗口。作为一个文化人，可以对社会的问题站出来给予批评。但是要站在一个正面的、向善的、崇高的角度来谈你对人性的看法。如果你是一个品格高的人，那么你就会认真的对待这门学问，就会反思。艺术是一种境界的体现。不管艺术的形式是怎样的，艺术的灵魂应该是高的，应该是好的。

　　作为一个教师，最应该传授给学生的是一个好的人格。在面对学生时，首先要让学生知道老师的价值观，并且要用这种好的价值观来影响学生。

　　艺术中国：中国自古非常重视艺术家的人格修养。中国的传统是将做人和作品放在一起来看。

　　汪港清：对，中国一直有这样的传统。蔡京的字写的非常好看，但是就因为做人的问题，使自己的作品没有得到广泛的认知。

　　艺术中国：工笔画作为中国传统的重要遗产，您认为工笔画是否有跟随时代发展、表现当代审美的空间？您认为工笔画发展存在的问题是什么？

　　汪港清：工笔画近年来发展势头比较高。我个人认为，工笔画发展要比水墨画空间更广，工笔画有色彩语言，工笔画“工”的程度可细可宽，所以我觉得工笔画更能和当代相结合。

　　我和韦老师都比较强调中国工笔画的传承。这种传承并不是简单的形象和技法，而是一种精神气质。当然我们也要求学生跟现代相结合，要创作他们这个时代的东西。在这样创作的背后，无论深浅，都要有中国传统文化。吸收一切可以吸收的东西，并且在吸收之后一定要和中国传统文化链接起来。

　　韦红燕：现在工笔画看起来很繁荣，但是在这种繁荣的背后会有一些问题。我认为现在的问题是单一化。在面对传统继承的问题上，如果一个时期只有一种传承是不对的。如果我们站在一个文化自觉的角度上寻找中国工笔画的发展空间，那么我们应该回归对传统的研究。

　　首先，在技法、形式上，现在的工笔画面貌很单一。只有一种传承，甚至是当代某一个名人的传承，这个特别可笑。我们现在对传统的研究更多的放在技法上，其实这些技法附着在什么样的视觉形态上才是更为重要的。比如中国绘画的空间观是什么样的?是二维，二维半，四维，还是二维加四维?比如东晋时期顾恺之的《洛神赋》，对船盖的描绘是多视角的，却能够做到在整体上非常协调，这是典型的中国艺术家的描绘方式。现在人对于中国传统绘画的研究仅仅是一个点，甚至是用中国的线条来构造西方的造型体系。

　　其次，在题材上过多的偏重于现实主义题材。其实中国人的思维从来就不是写实的，是特浪漫的、诗意的，特别有意境的，但是现在的作品仿佛是越现实越好。

　　另外，在表达方式上过于单一，并且空间非常狭小。在一场灾难的面前，有的艺术家表达对死亡的恐惧，有的表达人和自然的关系，有的表达对救灾人员的感谢，这些表达应该都是被接纳的。人的思想是人存在的价值和意义，如果拒绝不同表达，拒绝不同的角度，否定人的思想性那就不能称为文明。如果没有站在一个文化的高度上去看待文化，这是很失败的。

　　艺术中国：能谈谈今后两位的创作计划、创作重点吗？

　　汪港清：我在2004年左右就开始进行少年和水系类作品的创作。这个题材可能还要延续一段时间。另外我们两个人一直想要合作一些大的创作题材。可能是一些传说，经典故事，长的诗篇。

　　韦红燕：我的创作一直倾向于思考。这种思考并不是对某一个社会，某一个时间的思考，而是对欲望、诱惑这种人性的思考，这种思考我会一直延续下去。