新媒体学习-第二讲:网页编排的艺术观

一个成功的多媒体沟通方式,绝对不只是感官的运用,更有效的是要让双方在交谈中深受感动,借着建立沟通的情绪,充份表达彼此心里的想法和情感。

  除了充分的沟通内容以外,还要有良好的沟通情绪,这要看看沟通接口上赏心悦目的视觉效果。如果运用到艺术层面时,它更能打动心灵深处,扣紧情绪。也就是要从人类的美感经验了解,如何运用图形、文字、声音、动态影像等多种媒体,才能打动观众的心。

  当谈到艺术的领域时,没有什么困难的规则和速成的判断方法。唯一的妙方就是要有好的品味。品味是可以从知识中学习培养的。如果您对多媒体有兴趣,也想把多媒体当艺术来创作,那么,首先要了解美学。

  什么是「美学」呢?

  美学是以美感经验为中心,研究美和艺术的科学。它包含:

  美的哲学:从现实到艺术,从欣赏到创作,它试着探讨美的现象的共同本质,而这美的现象本身是缤纷复杂的。

  审美心理学:人的审美活动是一个包括感知、想象、理解、情感等很多因素交错融合的心理现象。这种复杂的心理活动正是审美心理学所要研究的。

  艺术心理学:它包括艺术理论、艺术批评和艺术史三方面。艺术并不仅仅是美,但不美的东西,我们不能称它为艺术。我们在进行美的哲学思考,探讨审美心理学的同时,必须注意艺术在美学研究中的地位。

  虽然美学包含的范畴看来很广,对一般大众而言,好像很不容易学习。不过,我们如果知道是先有艺术作品然后再有美学,好比先有自然现况的存在然后才有科学,那么了解美学就不是一件很难,反而是一件有趣的事了。

  我们要了解美学可以从学习哲学家如何研究美学的方法着手。哲学家探讨艺术家创造艺术作品的过程和经验,再根据作品加以研究、分析,整理出美学。因此,学习哲学家直接讨论世界著名艺术作品的方法,并观摩同行的作品,加以分析,应该可以提升我们从事设计、创作的品味。

 

从名画中学习创作的灵感

  罗丹﹝Auguste Rodin﹞曾经说过:「艺术就是感情。不过,如果没有体积、比例、色彩的学问,没有灵敏的手,最强烈的感情也是瘫痪的。」「要有耐心!不要依靠灵感。灵感是不存在的。艺术家的优良质量,无非是智能、专心、真挚、意志。」伟大的艺术家留下不朽的榜样。许多画家喜欢「参照」过去大师们的作品,按照新的方式,和画家自己的画风,来重新呈现过去作品中所描绘的环境、气氛、人物。

  毕加索﹝Pablo Picasso﹞的说过:「一个好的艺术家会模仿﹝copy﹞别人的作品;但一个伟大的艺术家,还懂得如何偷取﹝steal﹞别人作品中的精髓。」

  西班牙超现实主义画家米罗﹝Joan Miro﹞曾从十七世纪荷兰画家 H. M. 索尔格的《琵琶演奏者》一画中获得启发,而绘制了《荷兰室景一号》。我们从「琵琶演奏者」的草图中,看到琵琶演奏者脚翘在腿上坐着,在他旁边是一个斜靠着桌子的女人,桌脚边边有一只狗和一只猫,左边,窗帘撩起,从那里可以看到阿姆斯特丹的房屋。 
 

诗琴演奏师
﹝The Lute Player﹞

1661 年

索尔格﹝Hendrick Martensz Sorgh﹞之作品

油彩?木板,51.5 x 38.5 公分

国立美术馆,阿姆斯特丹﹝Amsterdam﹞,荷兰

  对于索尔格的画,米罗藉其画面结构,运用梦幻能力,找到产生灵感的泉源,因此绘制了《荷兰室景一号》﹝Dutch Interior I﹞。画面上有上百个细节、事物和动物,充满了欢乐的节日气氛。

荷兰室内景一号
﹝Dutch Interior I﹞


1928 年

米罗﹝Joan Miro﹞之作品

油彩?画布,92 x 73 公分

现代美术馆,纽约﹝New York﹞,美国

问题:米罗是基于怎样的观念运用前面一幅画的构图画出这幅图画呢?

  毫无疑问,能够欣赏好作品的人是不多的。在美术馆里,甚或在广场上的艺术品,只引起少数观众的注意。但是这些艺术品所包含的思想感情,总不免要渗入到广大的群众中去。事实是这样的,除了天才作家之外,还有许多才气较低的艺术家继承那些天才作家的概念而使之普及。著作家受画家的影响,画家也受文学家的影响;在同时代的人的脑中,思想不断地在交流。

 

看画时常被问到的问题

  我们观赏艺术作品时,心中常有许多问题想要问。譬如:毕加索的《格尔尼卡》﹝Guernica﹞是一件著名的艺术品,它一直是宗教团体、精神病医学会议和美术课堂里讨论和研究的题目。
 

毕加索﹝Pablo Picasso﹞
《格尔尼卡》﹝Guernica﹞细部图,1937

  「格尔尼卡」原来是西班牙巴斯库地方一座古都的名字。一九三七年四月二十六日,西班牙人民战争正激烈的进行,支持佛朗哥政府的希特勒领导的德国空军,突然袭击格尔尼卡,结果整座古都几乎全部烧毁,造成数百名人民死亡。当时住在巴黎的毕加索听到格尔尼卡毁灭的消息,便以此为题材,将内心受到触动的情感描绘出来,这便是「格尔尼卡」这幅大作。

  毕加索运用黑、白、灰的色调来表现画境,使得整幅画的画面看起来如同服 丧般晦暗。房子正熊熊地燃烧着,一个女人被火烧着掉下来,停止呼吸的婴儿、仰天哭泣的母亲、四肢分离的士兵尸体,折断的刀、刀子旁边开着的白花。是电灯?还是炸弹爆炸的光芒?光芒下有一匹受尽苦楚的马、不知如何是好的牛双眼也湿润了。整幅画的结构和笔法看起来似乎相当粗率。人物的肢体被任意地任意地延长或缩短。手指和脚趾大得不协调,本是人的侧面之处,却有两个眼睛不自然地长在一起,或是不自然地排列着。但是,若目不转睛地注视这幅画时,人体和脸的变形会越来越异常,女人们的恐惧或震惊的表情也越来越逼真,最后不由得会感受到身历其境的强烈压迫感。

  论及这幅画的文章实在不计其数,而常被问及的问题如下:

    • 你以前见过它吗?
    • 它是关于什么的?
    • 你在里头看到什么?
    • 它有秩序还是零乱的?
    • 它没有意义还是意味深长?
    • 若有意义,是什么意义?
    • 你对它的感觉如何?
    • 你有所反应的时候,你知道为什么反应吗?
    • 你最要好的朋友可能对它作何反应?为什么?
    • 为什么有许多人花时间去看它去讨论它?

  对于任何艺术作品你都可拿这些问题来发问。艺术家创造了艺术作品让观赏者欣赏。观赏者根据「视觉原理」,经过一个「视觉过程」,了解艺术家和他的作品,形成了属于观赏者自己的「视觉经验」。了解艺术家和艺术品,这和了解我们自己一样,是需要时间和方法的。

 

视觉原理

  包浩斯学派﹝Bauhous School﹞的创始人华特?葛罗毕斯﹝Walter Gropius﹞在其《Education Towards Creative Design》著书中,略谓现代艺术与造形设计,是根据视觉语言,诸如错觉、空间的虚实关系、光和影、色彩心理、比例与对照,以及主观的解释和客观的事实,藉以作为表现抽象造形的要素。

  诚然,一件艺术品的造形,虽产生自灵感,而画家的灵感,往往又是由人世而出世,继之而超世,甚至超出伦理和理性,结果以致作品无法为人了解。由于上述的关系,因而我们必须从玄学中的另一方面,即根据科学寻求一项视觉的共通性,俾使观赏者藉此共通性得以与作者在思想上互相沟通;同时又藉该项共通性,对艺术家的创作,行为加以有限度的管制。

  对这项视觉的共通性,我们称之为「视觉原理」。根据这个原理,人类对于相同的事物,如果用适当的时间和空间呈现,就会产生视觉的联结,于是产生事物运动的知觉。视觉原理可以从三方面简单的说明如下:

  从对事物的方向而言:人在视觉上对于相同的事物会归纳在一起,包括大小类似、造型类似、明度或色彩类似、位置类似、方向类似、以及速度类似的事物等。

  从对时间的方向而言:人类观察事物所需的适当的视觉时间和事物的呈现速度有关。实验证明,如果在电影中两格之间,以多余六分之一秒的速度放映,视觉上就会产生两个动作不相连续的现象。

  从对空间的方向而言:人类适当的视觉空间和视野中的参考架构有关。在物体静止的时候,人类通常将大的物体视为小的物体的空间架构。在位移的作用里,架构是保持静止,而依附它的物象则被视为运动的。

  为消除艺术家和观众间的隔膜,唯有将这原理和知识予以普遍推行。进而透过作品的媒介,使彼此达到思想和心灵的交流。从事艺术教育者,对于此项原理,更应有所研究,否则只知「灵感」而无科学理论的根据,或只知其然而说不出所以然,则现代艺术,将无从获致立论的根基,且在教育上亦不能获得一贯性的效果。

 

视觉过程

  一件艺术品是由许多关系组成的,每一个要素在其中相互牵连。我们不能把「线条」从「明暗」和「色彩」里分开来,或只看「空间」而忽视「动态」,或忽略「形状」而考虑「肌理」。

  我们欣赏艺术,方法上没有所谓适当不适当,次序上也没有所谓正确不正确;但是,需要有一个起点,和一些能帮忙我们,衡量自己是否真正在观看艺术的特殊原则。我们从一个起点开始一路进展下去,思考这些原则是如何共同运作,自然会了解一件艺术品的整个面貌。这整个观赏的过程称为「视觉过程」。

  譬如,当我们的眼睛前面放着一件古埃及的玻璃器皿时,如果观察一下我们眼睛的行为,我们就能够开始对视觉过程有所了解。当我们观看这只瓶子时,我们发觉,主要吸引眼睛的是那些构成瓶子的装饰线条。如果要描述一下,我们的眼睛在接触这种装饰时所作的活动,我们可以说,它是随着装饰里的线条移动。这些线条使我们的眼睛移动,就如同我们的眼睛现在正随着一行行的字移动一样。由此可见,当艺术家在画下一个条线时,他就是在提供一条路径,让我们的眼睛顺着它游历。 
 

古埃及的玻璃器皿,1500-1200 B.C.

﹝问题二﹞如果瓶子上的条纹上下对换位置让尖锐的置于瓶身,会产生什么不同的感觉?

  我们欣赏一件艺术作品的程度,显示我们有多少「看见」的能力。我们的视觉经验愈丰富,我们从艺术家所创造的视觉形式中,所得到的快乐也相对地增加。不过,这种快乐不应该和艺术家表达出来的观念,在我们内心引起的反应互相混淆。譬如,一幅以反对毁灭性战争为内容的油画可能画得不好,但会吸引我们,因为我们也有同样的感触。又如一幅以乡村风景为内容的油画,会使我们回想起令人怀念的童年时光。一座雕像,也会因为使我们联想到某一位历史或小说人物的美德,因而带给我们温馨、愉快。

  艺术品的价值,要看创作它的艺术家,在视觉形式中表现出自己的观念或情感的能力而定。根据同一个观念,一个艺术家,他能同时从事好几种不同的艺术创作活动,限制它的只是他本身的技术和知识而已。

  有关艺术的观念是可以累积的,而艺术本身却不能。一个人经由体验、观看并讨论一件艺术品的某些方法,和如何找到意义,这是属于这个人自己的意义,因为是自己发现的。当你观赏艺术的能力与日俱增时,你会把自己的心得,添加到已经知道的知识上,并激发新的创作灵感。

 

视觉经验

  艺术家创作艺术作品与观赏者去感受和了解一件艺术作品,是人类精神世界里两种不同的复杂行为。观赏者欣赏艺术作品的最初也是最终的目的,是要能够从创造性的艺术家的想象中得到益处。然而,艺术家出于冲动或出于无意识的慷慨,给了人类一个难得的机会,藉以在他所做的事情上发现趣味和意义。

  艺术作品因艺术家而产生。在艺术家创作的过程中,它不断地改变,不断地和周围的环境互相结合,造成不同的潜能与感应。艺术家从作品被创作的过程中,累积这些潜能与感应而形成「艺术家的视觉经验」。艺术家对线条和色彩方面,视觉元素的体认非常敏锐。一般来说,作为一个多媒体艺术创作者可以从「艺术家的视觉经验」中学习艺术家在作品创作中,对「材料」、「技术」、「平面」、「形状」、「物理的空间」、「时间与运动」等问题的处理方法和观念。

  前面说过,观赏者欣赏一件艺术作品的程度,在于他有多少「看见」的能力。观赏者的视觉经验愈丰富,他从艺术家所创造的视觉形式中,所得到的快乐也相对地增加。不过,随着观赏者接触到更多的艺术作品,更加熟悉视觉的世界,观赏者发现,为了客观的讨论一件艺术作品的价值,为了帮助大家窥见艺术作品更多视觉表现的可能,及更高的意义层次,需要一套客观的方法,对作品进行批评,因此产生了批评家。

  批评家或哲学家根据人类共通的视觉原理,归纳出一些能帮忙观赏者,使其观看艺术品时,能用以衡量自己是否真正了解艺术品的特殊途径和美的原则。根据美的原则,做为一个观赏者,从作品所表现的「线条」、「明暗」、「色彩」、「绘画的空间」、「空间中的物体」、「视觉秩序」和「表现的统一性」等依序观赏,应该可以充分享受艺术品中的快乐。

  做为一个批评家,要注意作品的「风格」,并能「判定质量」。「风格」由两个元素组成:即「所要表达的意思」和「作者个人的特性」。每一个艺术家必定都会努力描绘出他所见到的真理,但是他对真理的概念却大部份是来自他自己的根本气质、才度,和构成它们的宗教、哲学、社会、心理各方面的影响而来。批评家客观的分析作品,提供其看法,可以协助观赏者洞察一件艺术品中所存在的美感力量,进而感受到不寻常的美感经验。

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