虽然佛罗伦萨长久以来一直是意大利的艺术中心，但是当达文西〔Leonardo da Vinci, 1452 ~ 1519〕在 1506 年返回米兰，而米开朗基罗﹝Michelangelo Buonarroti, 1475 ~ 1564﹞也是在同年前往罗马为教宗朱力斯二世建基，拉斐尔﹝Raphael, 1483 ~ 1520﹞也在 1508 年离开，应教宗之召为梵谛冈制作壁画，这个艺术中心便移转到罗马。

　　达文西在波提且利﹝Sandro Botticelli, 1445 ~ 1510﹞诞生后 7 年出生，又比菲力比诺．利比﹝Fra Filippo Lippi, 1406 ~ 1469﹞早 5 年出生，这三位大师都属于意大利文艺复兴初期的画家。

　　不过，当艺术史家谈到达文西的时候，即使他比米开兰基罗大 23 岁，更比拉斐尔大 31 岁，而他所有重要的作品也都在 1504 年前完成，在辈份上比他们高了一级，但由于他的伟大创作，为意大利文艺复兴盛期奠下稳固的基础，因此往往把达文西、米开兰基罗和拉斐尔合称为「意大利文艺复兴盛期三巨匠」，甚至「文艺复兴三杰」。

画家：达文西〔Leonardo da Vinci, 1452 ~ 1519〕

　　达文西是一位公证人的私生子，出生在佛罗伦萨以西 32 公里的一个叫文西〔Vinci〕的小镇，父亲叫毕也诺〔Piero〕，母亲是农村里的一个村妇，名叫卡特莲娜〔Caterina〕。出生后不久，他父亲便把他带回家去抚养，因此达文西对他的生母一无所知。这种非正式的名份使他从小受到歧视，一生蒙上阴影，也造成了他的冷漠性格。也因为这种性格，使他在智力上有超人的发展，能够注意到凡人所忽视的现象。

　　达文西超人之处不仅在艺术和雕刻上，同时在建筑、工程、科技、植物学、地理学、解剖学等各领域中都有划时代的贡献，他深信艺术与科学有密切的关系，并不如一般人所想象的水火不容，对他来说，科学是对自然的研究，而艺术则是表达自然之美。

　　达文西对人体的研究非常认真，他所画的裸体素描显示出他对人体结构的注意，还有光线投在肌肤所产生的变化等。他在 1480 年代中期开始在米兰研究解剖学。他躲避教会的禁令，藏身在墓地，以及科学的方法解剖过 30 多具尸体，并以素描方式留下记录。

　　在绘画方面而言，达文西是意大利文艺复兴盛期的古典风格的开创者，他认为最有价值且最困难的绘画目标，是将人类灵魂意图透过肉体的行动去表现。他同时紧密结合空间结构和人物形体，赋予画面稳固的中心力量。他在绘画技法上创立了两种新技巧：「轮廓模糊法」﹝晕涂法，chiaroscuro﹞，以及「空气远近法」﹝sfumato﹞。

　　「轮廓模糊法」乃是借着光线明暗的微妙变化，使形态柔和，并与周围景物融合一起，使得人物有丰富的生气；「空气远近法」则是藉由让远方的景物失去原有的色彩，反用蓝黑暗色来表现画中的空间深度。在著名的《蒙娜莉萨》﹝Mona Lisa﹞作品中，可以见到这些技法的应用。

蒙娜莉萨 ﹝Mona Lisa﹞ 1503 ~ 1506 年 达文西﹝Leonardo da Vinci﹞之作品 油彩?木板，77 x 53 公分 罗浮宫美术馆， 巴黎，法国

　　达文西最有名的一幅画大概是《最后的晚餐》﹝The last Supper﹞，这是他在意大利米兰的葛拉吉埃圣母堂﹝Santa Maria della Grazie﹞所画之湿壁画。

最后的晚餐 ﹝The last Supper﹞ 1495 ~ 1498 年 达文西﹝Leonardo da Vinci﹞之作品 湿壁画，460 x 880 公分 葛拉吉埃修道院，米兰﹝Milan﹞，意大利

　　以前画家在画《最后的晚餐》这个主题的画时，多刻意渲染哀痛气氛，众门徒各自陷入沉思，犹大远离众人，彷佛他的罪行已经确定。例如意大利早期文艺复兴的画家科斯塔诺﹝Andrea del Castagno﹞在佛罗伦萨一座修道院，所画的《最后的晚餐》。但达文西独具匠心，选择了耶稣用餐时，宣布座中有人要出卖祂。达文西以每一位门徒当时的脸上不同表情，表现那一刻十二位门徒大为震惊的情景。
 

画家：米开朗基罗﹝Michelangelo Buonarroti, 1475 ~ 1564﹞

　　十六世纪意大利文艺复兴的艺术，由于米开朗基罗完成了许多巨作而达到了发展的颠峰。米开朗基罗如同达文西一样，也具有多方面的才华，在雕刻、绘画、建筑方面，都表现出非凡的成就，旷世的不朽性。在绘画上，达文西注重柔和气氛的塑造；米开朗基罗则强调浩瀚雄伟的气势。

　　因此，米开朗基罗的作品多是工程浩大，如花了四年苦心完成西斯汀礼拜堂﹝Sistine Chapel﹞的顶棚壁画《创世纪》﹝Genesis﹞，他在天顶的中央部分依建筑框边连续画了九幅取材自圣经的宗教壁画；这幅巨型壁画面积达 14 × 38.5 平方公尺，由九幅中心画与周围众多装饰图组成，共有 343 个人物。

　　其中在《创造亚当》﹝The Creation of Adam﹞这幅画中，米开朗基罗营造出一种充满晴朗与静谧的气氛，表现了文艺复兴盛期理想的人物形像。

创造亚当 ﹝The Creation of Adam﹞ 1510 ~ 1511 年 米开朗基罗﹝Michelangelo Buonarroti﹞之作品 湿壁画， 280 x 570 公分 西斯汀礼拜堂天花板，梵谛冈

　　这幅画的构思极富想象力，它以亚当的躯体为中心。他悠闲地斜靠着，伸手去接触那赐予他生命的上帝。亚当的左手似将移动，充满了被控制住的感觉，而上帝则上前伸出右手食指，这两只手是整个创世记的象征。

　　西斯汀礼拜堂天花板壁画完工 24 年之后，反对宗教改革的教皇保罗三世委托米开兰基罗为祭坛墙壁绘制一幅壁画。当时，米开兰基罗正经历着精神与信仰的危机，他选择《最后的审判》﹝The Last Judgement﹞ 这一主题，展现他内心的痛苦。

最后的审判 ﹝The Last Judgement﹞ 1536 ~ 1541 年 米开朗基罗﹝Michelangelo Buonarroti﹞之作品 湿壁画，1370 x 1220 公分 西斯汀礼拜堂天花板，梵谛冈

　　米开兰基罗于作画其间不断从赞美诗《最后的审判日》和但丁的《地狱篇》中汲取灵感。壁画的中心主题是人生的戏剧，人注定要不断背离上帝，罪孽深重，但终将得到拯救。由于墙壁面积广大，艺术家面临着一个难题：如何将大约四百个人物安排在这一空间。必需有一种像旋风一样的主要力量将整个空间结合成一体。

　　最后，画面采用了水平线与垂直线交叉的复杂结构。画中人物趋于在水平面上组成群体，随着位置的升高，人群愈加密集。与此形成对比的是左侧升入天堂和右侧走向毁灭的画面中突出的垂直上下运动。同时，一种周而复始的活动将上升与堕落和左右着整个人群活动的中心人物，也就是审判者基督联结在一起。

　　《最后的审判》这幅画中的人体造型结实浑厚，常呈现出强烈地扭曲，肉体夸张与激动的表情与动作，因此造成十分戏剧性的力感和动感。

　　米开朗基罗的作品，不但超越了早期文艺复兴的艺术风格，阐述自己「英雄式的受苦」的情怀；也从他在后期画作中对远近法的舍弃以及晦暗悲怆的氛围中，预示了西方绘画新的艺术风貌的即将来临。

画家：拉斐尔﹝Raphael, 1483 ~ 1520﹞

　　拉斐尔是画家，也是建筑师。当他年少的时候，是跟随翁勃利亚﹝Umbria﹞派画家佩鲁吉诺﹝Perugino﹞学画。在佛罗伦萨时期，他吸取十五世纪绘画精神，并吸取了达文西的技法，而逐渐形成圆润柔和的风格。

　　拉斐尔擅长于综合同化各家的长处，因而在短短的三十七年生涯之中，能创作出不朽的作品。虽然在他的作品中，多少可以看出达文西、米开朗基罗的影响，但仍有其明显的独创风格。他运用世俗化的描写方式处理宗教题材，并且掺用生活中母亲与幼儿的形象将圣母抱圣婴的画像加以理想化。他的作品特色是他的特点就是能在不冲突的情形下，同时追求人物表现的自然与画面构成的形式美。

　　拉斐尔的作品风格和达文西较为接近，充满了和谐、安详、优雅的气质；与米开朗基罗作品中的激情、动态之表现，则形成了对比。《雅典学派》﹝The School of Athens﹞、《圣礼的辩论》﹝The Fire in the Sacrament﹞都是拉斐尔最杰出的作品。

雅典学派 ﹝The School of Athens﹞ 1509 ~ 1510 年 拉斐尔﹝Raphael﹞之作品 湿壁画，底宽 770 公分 梵蒂冈宫签字大厅，罗马，意大利

　　在《雅典学派》这幅壁画的构图上，建筑学与透视法具有特别重要的作用和意义：一是制造气氛，即布置了展开场景的空间，向纵深展开的拱门形成了人物活动的空间；二是创造简洁的构图，把众多的人物按不同的组别加以布置安排。

　　在这幅壁画中，人物、学者、艺术家、哲学家全都被安排在一座宏伟的厅堂内，厅堂用柱子、壁龛、雕像、浅浮雕装饰，这样的布局突出了这个雄伟拱门的寓意及建筑意义。大厅中央是脥下挟着「蒂迈乌斯篇」、富于象征意义地以食指指天的柏拉图，以及一手拿「伦理学」、另一只手臂伸向前方的亚里士多德。这幅画的特色是用简单的形象来表达最复杂的思想，换句话说，拉斐尔成功的用十分具像的视觉符号表达出十分复杂的抽象理念。

圣礼的辩论 ﹝The Fire in the Sacrament﹞ 1509 年 拉斐尔﹝Raphael﹞之作品 湿壁画，底宽 770 公分 梵蒂冈宫签字大厅，罗马

　　《圣礼的辩论》在布局上与《雅典学派》迥然不同。《雅典学派》的结构采用了真正的建筑学的配置，高挑的拱门形成了开阔的空间，人物的活动便在这个空间中进行；而在《圣礼的辩论》中，这一「建筑」是由一组井然有序的人物来表示的，人物的对称排列精确而又富于象征意义，力图表现作为精神世界象征的空间性。《圣礼的辩论》的结构中那些平行的同心圆便是天国的象征。作品既体现了结构、概念的统一，又不忽略细节的描绘。

　　从这些作品我们可以看到明暗、空间、人物安排等方面，所作的高超表现，藉由历史、寓意、象征的形体将「真善美」形象化；并且看到古典希腊罗马精神和基督教精神的相互调和；文艺复兴的崇高观念，在他的作品里以极优美的方式表达出来。拉斐尔几乎是当时文明及完成美形式的象征人物。